II Фестиваль мировых премьер музыкальных театров России

РыжийФест 

Культурная столица

80 ПОБЕДА 1945-2025

Качай культуру

Ящерка Злата

В театр, на концерт и на выставку можно ходить бесплатно! Для этого гражданам от 14 до 22 лет необходимо оформить Пушкинскую карту.

Оформи пушкинскую карту для посещения учреждений культуры

Культур

Николай Эрдман - мастер сатирической драматургии, живший в непростые времена, в которых постреволюционные реалии оставили свой отпечаток в его произведениях. Среди таких «Самоубийца» (постановку его я смотрел в исполнении Театра Сатиры) и «Мандат». Премьера последнего состоялась в Челябинском камерном театре.

Атмосферой послереволюционной Москвы сцена Камерного буквально дышит на этом спектакле. В этом спектакле сатира граничит с мистикой, а режиссером стал уже многим известный Сергей Федотов, который мастерски ставит подобные произведения.

Основой сюжета становится то, что главный герой сам себе выписал мандат, а это немыслимое событие для исторических условий того времени. Все-таки, мнение, что без бумажки - ты букашка, а с бумажкой - человек не ново, и в этом спектакле отлично просматривается.

Текст, написанный в 20-е годы прошлого столетия безумно актуален и сейчас. Зал взрывается смехом после каждой реплики – чувствуют, что что-то про наше время там есть…

А помимо этого есть в этом спектакле и портрет Карла Маркса, и картина «Вечер в Копенгагене» и…платье императрицы. Для чего? Давайте я умолчу и предоставлю почву для размышлений и повод сходить на этот мистико-сатирический и даже ностальгический для кого-то спектакль.

Автор: Владислав Лукьянов

Николай Эрдман является мастер сатирической драматургии, живший в непростые времена – постреволюционные реалии оставили свой отпечаток в его произведениях. Среди таких «Самоубийца» (постановку его я смотрел в исполнении Театра Сатиры) и собственно «Мандат». Премьера последнего случилась в Челябинском камерном театре.

«Карл Маркс или Вечер в Копенгагене»

Эти и другие фразы проецировались на декорации. Я сидел в зале, смотрел на происходящее и понимал, что это что-то не похожее на все остальные спектакли нашего драматического театра им. Н. Орлова.

Классику в наше время уже как только не ставили и исключением не стала «Палата номер 6» А. Чехова.

Потрясающие декорации – серые арки, погружают нас в атмосферу чеховских серых будней. Как бы я назвал происходящее на сцене: «настоящий сумасшедший дом под аккорды рэпа Eminem, оперную арию в исполнении Паваротти и многие знакомые всем композиции». Громкая и кричащая картинка!!! Кто-то скажет: «Фу, смотреть такое…», я скажу «Постмодернизм» в постановке Данила Чащина с нашими актерами Драмы.

Казалось бы, что-то немыслимое и зачем такие спектакли нужны в которых ничего не понятно. Однако смысл произведения не теряется – в центре ученый человек, доктор Рагин попадающий в провинциальную больницу. Рецепты выписывает на раз-два, погружен в чтения разнообразной научной литературы, да что там он буквально зарывается с головой в это чтение, со временем становится хладнокровным к пациентам (сцена с раненым солдатом это хорошо показывает). Перед ним предстает галерея тех больных, которые находят в той самой Нехорошей…то есть особенной палате №6. Своеобразным экскурсоводом становится один из пациентов Громов, который о всех подробно рассказывает. Их пять в палате…а шестым станет…

Автор: Владислав Лукьянов 

Эти и другие фразы проецировались на декорации. Я сидел в зале, смотрел на происходящее и понимал, что это что-то не похожее на все остальные спектакли нашего драматического театра им. Н. Орлова.

Добро пожаловать в Чувствилище! или «А где, Андрей Ефимович?»

Можно ли описать чувства, которые возникают от свободного падения и приближения удара об асфальт? Можно ли обрисовать физические переживания? Не знаю... Страх. Непреодолимый страх. Решительный шаг. И... Не хватает воздуха, сердце сжимается, все внутри напряжено до предела, свист в ушах, дрожь по всему телу, ком в горле... Этот полет и эти доли секунды до смерти сопровождаются всеобъемлющим трепетом.

Кстати, я неоднократно испытывала это падение во сне, но всегда просыпалась в холодном поту за несколько мгновений до земли... И вот посмотрев спектакль «Черный апельсин», пережила нечто подобное вновь.

Ритмичная музыка (проникающих внутрь и заставляющая пульсировать), похожая на биение сердца, темнота, давящая атмосфера невольно вызывают ощущение безысходности, боли, одиночества... И сердце переполняется невероятным щемящим чувством сострадания к героям Бориса Филипповича и Натальи Антоновой.

Иван Миневцев не ищет спокойных и простых сюжетов. Внимание нынче сфокусировано на проблемах более серьезных. Философские вопросы о жизни и смерти, о барьерах коммуникации, проблемы одиночества, вечный спор об этических аспектах эвтаназии. Путешествие по темно-зеленому подъездному лабиринту стало для меня неожиданной встречей с давно терзающими страхами.

Получился сильный, мощный по воздействию спектакль, который будоражит, который хочется обдумывать, анализировать, пересматривать.

В центре событий пьесы находится дед (прадед) в преклонном возрасте (ему «ужас сколько лет») и двенадцатилетний подросток Жека, на плечи которого «сваливается» дилемма, связанная с эвтаназией. Человечество веками не могло до конца разобраться и однозначно решить, хорошо это или плохо, а современному российскому подростку пришлось «в одночасье» делать выбор и принимать тяжелый груз ответственности за него.

Текст пьесы цепляет. Он наполнен размышлениями о жизни и смерти, о молодости и старости, жизненных ориентирах, о тонкостях взаимоотношений между поколениями. О многом. От некоторых фраз и молчаливых сцен щемит сердце. Ведь сюжет пронизывает смерть (начинается все с самоубийства… прыжка из окна старушки Надежды, жившей по соседству), разговоры о смерти и подготовка к ней. Надежда умирает одной из первых в этом спектакле. И даже юмор, органично присутствующий в тексте Даны Сидерос (Марии Кустовской), не спасает от горечи. Такое вот не радужное, не «апельсиновое» послевкусие остается от погружения в оранжево-черную историю.

Признаюсь, после слов деда меня охватило стойкое ощущение безысходности, безнадежности, бесконечного отчаяния. Жутко. Престарелый человек, передвигающийся исключительно с помощью инвалидного кресла, запертый в «четырех стенах», не разговаривает годами с близкими людьми, живущими рядом с ним «под одной крышей». Все сплелось в один большой клубок: конфликты, ссоры, обиды, непонимание. И, как следствие, обет молчания, глубокое одиночество. Сердитое, осознанное, принципиальное одиночество, порождающее желание «уйти».

Спектакль «Черный апельсин» погружает зрителя в ситуацию, когда люди не могут/не хотят услышать и понять друг друга, не способны выстроить диалог, выразить свои чувства, мысли, переживания и эмоции. Это страх общения, бегство от разговора на острые темы, от ответственности. Фейковые страницы в социальных сетях, придуманные псевдонимы тому подтверждение.

Как и сам изнутри черный апельсин, спектакль Ивана Миневцева непростой. Хотя на первый взгляд кажется очень житейским, бытовым, читаемым на «раз-два». Но внутри этой истории кроются несколько сложносочиненных миров, которые раскрываются перед зрителями постепенно с пугающими подробностями. И медленно, но верно в твоем сознании поселяется мысль: «Не так уж и далеки эти шокирующие истории от нас. Они происходят здесь и сейчас. Они злободневны. Спектакль о нас, о мире вокруг и мире внутри нас».

Именно сложные взаимоотношения поколений (подростков и взрослых) перед глазами зрителей создают тот самый апельсин – приятный и яркий снаружи, а что внутри неизвестно. Иван Миневцев вместе с драматургом и ее тонким юмором увлекают нас в кажущийся светлым, счастливым, беззаботным мир двенадцатилетних подростков (когда даже смерть воспринимается как виртуальная игра, не по правде, а «понарошку», с трофеями в виде зубов).

Очень явно в красках (если так можно выразиться... Преимущественно в оттенках зеленого) показано одиночество в семье, беззащитность старости, человеческое непонимание, безнадежность жизненных ситуаций, яростное желание выбраться из клетки, уйдя из опостылевшей жизни. Увиденный материал – это почва для непростых выводов, для осознания ужасающих фактов о нас с вами, об инфантильности общества без лифтов и какой-либо надежды. Неспособность слышать и понимать друг друга делает нас глухими и слепыми к чужим чувствам и переживаниям. Сквозь оранжевую кожуру апельсина сочится черная жидкость, образно демонстрируя всю грязь современного мира, социальные проблемы в обществе. Возможно, постановка Ивана Миневцева поможет для каждого из нас разобраться, почему так происходит. В спектакле поднимаются темы, о которых не принято говорить вслух, которых обычно сторонятся и боятся. Затронутые отношения подростков и их родителей делают спектакль интересным для семейного просмотра и последующего разговора о важном.

Светлым моментом в пьесе, который эмоционально «вытягивает зрителя из этого смердящего болота», является душевный порыв Жеки. Порыв и искреннее желание наладить отношения с дедом, «протянуть ему руку», понять его, помочь. Именно этот подростковый порыв спасает измученных героев. Благодаря Евгению и друзьям возникают мостики, мосты между людьми, между поколениями, происходит рождение/возрождение отношений.

«Черный апельсин» – это столкновение нескольких поколений, это взрыв, который переворачивает устоявшийся и привычный мир с ног на голову.

Чрезвычайно яркое появление «валерьяночной наркоманки», кошачьей богини Марины (Лидии), описанное во всех деталях, «сбивает с ног». Старушка в исполнении неподражаемой Натальи Антоновой вдруг оказывается не просто «пожилой неформалкой», а чем-то большим и очень уж символичным. По ходу сюжета появляется другой смысл – счастливой и долгожданной смерти. Она характерная (с запахом валерьянки), но счастливая и светлая (ослепительно яркая, как освещение вдруг возникшего в финале лифта). Именно эти метаморфозы, происходящие с героями прямо на глазах зрителей, и есть самое важное в «Черном апельсине».

Автор: Светлана Демцура

Спектакль о жизни без лифтов и какой-либо надежды

Пьеса Артура Соломонова «Как мы хоронили Иосифа Виссарионовича» оставила яркие, неизгладимые впечатления. Еще во время читки, которая была организована 4 ноября 2019 года в рамках пятого Международного фестиваля современного искусства «Дебаркадер. Трансформация». Именно тогда стало понятным, что спектакль по этому материалу априори не может получиться тривиальным. Так и оказалось. Февраль 2021-го стал не только морозным, но и ошеломительным в театральном плане для Челябинска. Ведь под конец зимы прогремела мировая премьера черной комедии в постановке Виктории Николаевны Мещаниновой. Уверенно, смело, вызывающе, провокационно. За это я и люблю Камерный Театр! За смелость, храбрость, эксперименты, выбор неоднозначного материала, открытый и честный диалог со зрителем.

В целом, спектакль получился «убойным», забористым, острым, едким. Перед публикой развернулся своеобразный «театр в театре», «спектакль о спектакле», в котором с помощью колкого юмора, сарказма оглушительно высмеиваются современные проблемы общества. По сюжету, в одном из столичных театров готовятся к премьере. Тема новой постановки – смерть Сталина. События разворачиваются стремительно и совсем не подчиняются здравому смыслу. Откуда ни возьмись, появляется загадочный человек из Министерства. Возникает непростая ситуация – сам глава государства изъявляет желание дистанционно посмотреть спектакль о своем, как он шутя выражается, «предшественнике». И не просто посмотреть, а за обедом… Пережевывая пищу. Как легкое увеселительное шоу. Как «закуску» к основным блюдам. Но «пережевать», «вкусить с наслаждением» новый спектакль президенту, увы, не удается. Происходящее на сцене «встало посреди горла» главы государства, действом он оказался недоволен.

Ситуация напоминает бредовый сон. А потом, поразмыслив, понимаешь, что она вовсе не далека от реальности; что бредовой, скорее всего, является наша современная жизнь. И речь уже идет совсем не о сталинизме… Акценты смещаются. И мы видим современную цензуру, давление «сверху», гонения и угрозы; грубые изъяны современного общества. В спектакле Челябинского Камерного театра вырисовываются хлесткие, жесткие сатирические иллюстрации к сегодняшнему дню.

От подобных ситуаций помогает только «лечение смехом». Через этот лечебный смех, юмор, шутки, фарс мы очищаемся; находим силы говорить о страшных вещах смело, бороться с ними.

«Как мы хоронили Иосифа Виссарионовича» позволяет проследить, из каких зерен и какими путями в душе человека прорастает страх; где скрываются его корни. Какие плоды мы пожинаем, взращивая страх в сердцах нескольких поколений. Как один человек начинает стучать на другого, доносить, юлить, клеветать… Какой безумной может оказаться жизнь, построенная на страхе.

Особенно оглушают и запоминаются слова одного из героев спектакля (Терентия) о «кризисе перепроизводства святынь»: «Ведь сейчас толком никто не понимает, во что мы верим и куда идем, и поэтому неприкосновенным объявляется все: и прошлое советское, и прошлое имперское, и царь, и цареубийцы, и церковь, и те, кто сносил храмы. Впрочем, это только кажущийся парадокс, и он легко объясним: власть должна быть права в любых своих решениях и проявлениях, а потому она верно поступала и в 1905, и в 1917, и в 1937, да во все годы... Нашу страну сотрясает много кризисов, но главный я бы определил как «кризис перепроизводства святынь». Одной из таких святынь, увы, оказался Иосиф Сталин...».

Фото: Марат Муллыев

Светлана Демцура

Пьеса Артура Соломонова «Как мы хоронили Иосифа Виссарионовича» оставила яркие, неизгладимые впечатления. Еще во время читки, которая была организована 4 ноября 2019 года в рамках пятого Международного фестиваля современного искусства «Дебаркадер. Трансформация». 

Не только февральские морозы взбудоражили Челябинск, но и премьера в камерном

«Трованты»... Совершенно ошеломляющий и невероятно красивый спектакль Челябинского Молодежного театра, заслуживающий особого внимания. Он уникален в своем роде. Сильно выбивается из текущего репертуара и, по-моему, занимает одну из лидирующих позиций.

Появление пластической легенды «Трованты» – большая, очень большая удача не только для театра, но и для зрителей. Ведь подобная магия возникает редко. А тут все совпало – и талант, и желания, и возможности.

«Трованты» – это разговор по душам без слов. Это исцеляющее слияние с природой, обмен энергиями, чувствами, эмоциями. Это всполохи огня, танцующие искры, сильнейший жар, пульсирующие движения, сжигающее изнутри пламя. «Трованты» – это леденящее дыхание севера, это пушистые снега, неприступные горы, ледники, острые скалы, поднимающиеся прямо из воды, живые камни, в которых скрыты в заточении человеческие души.

«Трованты» – это норвежские девственные пейзажи. Смотришь на сцену и невольно видишь набухшие облака, пронизанные лучами уходящего солнца. Слышишь журчание воды, которая струями стекает по холодным камням. Видишь кристально чистые озера и реки, пещеры, туман, парящую высоко-высоко стаю птиц. Ощущаешь порывы ветра… и свою сопричастность, единение с этим таинственным миром.

«Трованты» – это легкие, грациозные, женственные, пластичные жительницы норвежской деревни, их чарующие изгибы и томные взгляды. Это взмах рук, летящие в танце волосы, плавное покачивание бедрами, дыхание горячее до предела, нежные вздохи и тихий шепот. «Трованты» – это мускулистые мужские спины, капли пота, сверкающие в приглушенных лучах света, дикие и агрессивные движения, демонстрирующие буйный нрав. «Трованты» – это туго переплетенные тела, слитые в единое целое.

Жители деревни завораживающе танцуют. Как они красивы и естественны в своих порывах! Иногда похожи на хищников, готовых к решающему броску и битве, иногда прижимаются к земле, вьются, стелются под ногами, как змеи. Они крадутся, резко вздрагивают, распрямляются от волнения, тревоги, догоняют, набрасываются, нападают, действуют на уровне инстинктов. Одним словом, отдаются сумасшедшему танцу без остатка.

В спектакле нет пошлости, нет грязных намеков и подтекстов. Зато в нем есть невероятная и мощная энергия. Благодаря порывистым движениям героев, благодаря придыханию, вздохам, пульсирующим ритмам музыки мы, зрители, погружаемся в особый мистический, загадочный, незнакомый, но безумно красивый мир. «Трованты» – это эстетическое наслаждение, красота смуглых тел (на которых изображены символы и письмена, скрывающие неведомые смыслы).

Со сцены в зал бурлящим потоком «выплескивается» музыка. Она наполняет и переполняет все пространство медитационными звуками. Она струится со всех сторон, обволакивает, берет в свой плен. В эту непрерывную сложносочиненную мелодию удачно вплетаются шорохи, шепот, рычание, стоны, этнические, шаманские напевы…

Особенно запоминается воинствующая Эрда! Одним леденящим взглядом она способна моментально ввести в транс, подчинить себе человеческую волю и тело. Даже в зале чувствуется этот натиск темной энергии, ее смертельно-сладостная сила.

«Трованты» – это череда мистических событий… Личные жизненные трагедии; просьбы, обращенные к небесам; борьба за собственное счастье… Прекрасен танец жительниц норвежской деревни и их молитва, взывание к светлой Фрее. Под тягучую, липкую, обволакивающую музыку с белоснежными тягучими, липкими, как паутина, тканями. Эти полотна обвивают стройные, гибкие тела девушек; они заворачиваются в них, как в кокон, покачиваются, как в колыбели. После всех трагедий и несчастий появляется величественная Фрея, дарующая спасение, очищение и любовь.

P.S. Впечатления от пластического спектакля «Трованты» нужно получать на уровне чувств, «отключив голову». Однозначно. Потому как если вы будете пытаться искать в происходящем на сцене сюжеты скандинавских легенд и мифов, силясь вспомнить то, что накануне вы «нагуглили» в Интернете; если вы будете выстраивать логические цепочки, желая связать противостояние Эрды и Фреи со скандинавской мифологией, то вы сразу «выпадете» из спектакля. Надолго и безвозвратно. «Трованты» нужно чувствовать и ощущать. В этот спектакль нужно занырнуть с головой. И непременно следует «отключиться», довериться режиссеру, художникам, раствориться в музыке, созерцать удивительный и прекрасный мир живых камней. Только тогда возникнет настоящая магия. Только тогда вы влюбитесь. Только тогда вы получите несказанное удовольствие и наслаждение.

Кстати, 17 марта впервые в роли Фреи на сцену вышла Ольга Телякова. Светлая, легкая, воздушная, невесомая, хрупкая, белоснежная, неземная. Сильная, гордая, несломленная. Особенно она нежна и прекрасна в финальном медитативном танце под струями воды…

Спасибо всей постановочной команде: режиссёру по пластике – талантливому Владиславу Морозову, хореографу-постановщику – чувственной Елене Пришвицыной, художникам, которые придумали потрясающий мир с парящими камнями – Антону Сластникову, Елене Хохлович, художнику по свету – Павлу Ларионову, создателям видеоарта – Дмитрию Иванченко и Антону Сластникову, режиссёру-ассистенту по работе с актёрами – Вячеславу Косареву.

Спасибо за подаренную легенду, за этот удивительный мир, в который я обязательно вернусь.

«Трованты»... Совершенно ошеломляющий и невероятно красивый спектакль Челябинского Молодежного театра, заслуживающий особого внимания. Он уникален в своем роде. Сильно выбивается из текущего репертуара и, по-моему, занимает одну из лидирующих позиций.

Магия «Тровантов»

Какой же трогательный у Александра Черепанова спектакль! Его можно пересматривать многократно. И каждый раз находить что-то новое, цепляющее, смешное и грустное, проникающее в самое сердце. Когда прикасаешься к этой волшебной сказке, забываешь о житейской суете и быстротечности времени, словно оказываешься в другом измерении, где жизнь течёт неторопливо и размерено.

«Давай никуда не улетим, Ёжик…» (фото: Александр Исаков)

«Давай никуда не улетим, Ёжик…» – это маленькая вселенная. Философско-лирическая, уютная, теплая, горячо любимая. Попадая в мир, где живёт задумчивый Ёжик, забавный Заяц и проказник Медвежонок, мы понимаем, что самым дорогим в жизни является верная дружба. А ещё доброта. Добро творит чудеса, вдохновляет, окрыляет, делает нас чище, терпимее, умнее.

В спектакле много мудрости и особенной жизненной философии. Сказка о Ёжике наполнена тончайшими психологическими нюансами и оттенками человеческих эмоций и чувств. При этом не произносится ни слова! Только взгляды, потрясающая мимика, жесты, движения и сопровождающая их музыка. Они настолько выразительны, настолько «говорящие», что позволяют без особых усилий погрузиться и понять историю до мельчайших подробностей. Глядя на Ёжика, Зайца и Медвежонка невольно домысливаешь диалоги; даже кажется, что слышишь их голоса. Спектакль без слов «звучит» громче, ярче, мощнее, нежели многие сказки, рассказанные вербально.

Герои учатся доверять друг другу, взаимодействовать друг с другом и окружающим миром. Они познают пространство вокруг, тактильно общаются со зрителями, дурачатся, хохочут, пугаются, прячутся, грустят, злятся, делают глупости; они настолько живые, искренние, настоящие, что хочется им сопереживать, сочувствовать. Хочется тянуть к ним руки, как это делают дети; хочется прижиматься к таким пушистым, мягким, милым; хочется обнять крепко-крепко и сказать: «Давай никуда не улетим…». Эта мелодичная, тихая, спокойная сказка призывает зрителей никогда не расставаться с красотой, видеть её во всём и создавать собственный мир, полный прекрасного. Мир, в котором доброта прорастает деревьями, ослепляет солнечными зайчиками, падает каплями дождя на сухую землю, зажигается яркими звёздами. Мир, в котором возможно слушать и слышать тишину, мечтательно глядя в небо…

В любом из нас есть немножко от каждого из героев. Каждый из нас хоть чуточку похож на романтичного Ёжика, мечтающего о далеком и необычном. На преданного Медвежонка, готового поддержать, развеселить и, если потребуется, спасти друга, попавшего в беду. На игривого и добродушного Зайца, который улыбается до ушей, вечно в движении, ничего не боится и приходит на помощь по велению сердца.

«Давай никуда не улетим, Ёжик…» – это спектакль, который полностью захватывает чувства и мысли, сопровождает тебя и за пределами театра… Он невольно вспоминается и помогает преодолеть трудности, найти силы, когда на душе «скребут кошки», когда на улице холодно, неуютно и просто хочется тепла.

Кстати! Совсем недавно осознала, что сказка «Давай никуда не улетим, Ёжик…» разворачивается на совершенно голой сцене, практически без декораций. И ведь не возникает ощущения пустоты. Напротив, кажется, что пространство вокруг наполнено до предела. Тут и лес, и стелющийся туман, и озеро с лунной дорожкой. Когда Ëжик, Заяц и Медвежонок выходят на сцену, случается настоящее чудо! Происходит необъяснимое. Вокруг «вырастают» деревья, у ног близко-близко плещется вода, звёзды россыпью опускаются всё ниже и ниже (и кажется, вот-вот дотронешься до них рукой!), а за спиной расправляются крылья… И хочется летать! Погружаешься с головою в сказку. Тихую, нежную, рассказанную шёпотом на ушко. И мир становится светлее, добрее, лучше.

Светлана Демцура

Фото: Александр Исаков

Любимый «Ëжик»

В Москве завершилась российская кинопремия «Белый слон», победителей которой определяют российские кинокритики и киноведы. Не обошлось без скандалов — Лучшим фильмом стала картина Андрея Кончаловского «Дорогие товарищи», режиссер хотел снять работу с номинации из-за номинирования фильма Алексея Навального в категории Событие года. Жюри ответило, что фильмы не могут быть «разноминированы», в итоге и Кончаловский, и Навальный со своей командой за фильмы-расследования одержали победу в  своих номинациях. До этого в марте учредившая премию Гильдия киноведов и кинокритиков вышла из состава жюри «Белого слона» (причина все та же — номинирование Навального они считают политизацией премии).

Победителями так же стали:

Дмитрий Давыдов был признан лучшим режиссером за фильм «Пугало», а Валентина Чыскыырай-Романова получила приз за Лучшую главную женскую роль.

Приз за Лучший сценарий получил Михаил Сегал за картину «Глубже!» - фильм о театральном режиссере, который начал работать в порно-индустрии. Роль Александра Паля, исполнившего главную роль, признали Лучшей главной мужской ролью.

Лучшей операторской работой назвали работу Ирины Уральской в фильме Андрея Зайцева («Проект „Анна Николаевна“», «12», «Мост над бездной») «Блокадный дневник». Картина рассказывает о первой, самой тяжелой зиме блокадного Ленинграда.

Приз за Лучшую роль второго плана получила Виктория Исакова за игру в фильме Семена Серзина «Человек из Подольска». Фильм — экранизация одноименной пьесы Дмитрия Данилова про человека, попавшего в очень странный полицейский участок. Главный герой Николай пытается понять, за что же его задержали, пока московские полицейские пытаются взломать его сознание.

Лучшая работа художников — Александр Загоскин, Татьяна Патрахальцева и Галина Солодовникова в фильме «Серебряные коньки». Патрахальцева так же работала с фильмом «Салют-7», сериалами «Григорий Р.» и «Небесный суд», Загоскин —  с фильмом «Адмиралъ». Лучшей музыку к фильму признали музыку Анны Друбич в фильме «Гипноз» Валерия Тодоровского. Анна Друбич так же писала музыку для фильмов Леонида Парфенова про «Русских евреев» и для фильма Анны Меликян «Звезда».

«Гунда» Виктора Косаковского стала лучшим документальным фильмом, «Китобой» Филиппа Юрьева — Лучшим фильмом-дебютом. Лучшим короткометражным фильмом признали «Мы — значит» Игоря Марченко про соединение двух очень разных людей в исполнении Дмитрия Куличкова («Дурак», «Калашников», «На Верхей Масловке») и Ольги Сташкевич («Оттепель», «Склифосовский») и последовавший за этим хаос. «Хозяйка Медной горы» Дмитрия Геллера, созданная на основе рассказов уральского писателя Павла Бажова, получила приз как Лучший анимационный фильм. Лучшим сериалом назван проект Федора Бондарчука «Псих» о московском психотерапевте с большим количеством проблем в исполнении Константина Богомолова.

Приз молодых кинокритиков «Голос» получила короткометражка Максима Печерского «Год белой луны», состоящая из телефонных разговоров матери и сына. Возможно, именно в этот год невидимая планета Селена поможет двум самым близким и таким разным людям наконец услышать друг друга. Приз им. основателя премии Мирона Черненко получила Клара Исаева за многолетнюю и плодотворную педагогическую и киноведческую деятельность. Приз за вклад в искусство кино и Специальный приз «Событие года» получили отец и сын, Илья и Андрей Хржановские, за проект «Дау» и анимационный фильм «Нос, или заговор „не таких“» соответственно.

Автор: Таисия Малышева

В Москве завершилась российская кинопремия «Белый слон», победителей которой определяют российские кинокритики и киноведы.

Премия «Белый слон» 2021

«Ангел & Бес» в постановке Владимира Филонова – яркий, живой, динамичный, энергичный, красочный, музыкально насыщенный, танцевальный спектакль, способный вихрем увлечь за собой, одурманить, вскружить голову.

Сюжет развивается стремительно, не позволяет расслабиться, постоянно держит в тонусе. Драйвовая музыка, проникающая в самые глубины сердца, вызывает отклик, создает ощущение сопричастности происходящему. И вот ты уже не можешь найти покоя, страстно желаешь вместе с белокурым ангелом спуститься с небес:

«Мне в сердце покоя не найти…

Оно болит и в ночь на землю рвется.

Не усмирить его, себя не обмануть…

Я слышу зов. Я вновь готов собраться в путь…»

Ангел стремится стать обычным человеком, облачиться в плоть, познать земную жизнь, сохранив при этом порядочность, честность, благородство и другие чистые и светлые ангельские качества.

В спектакле Серафим изначально противопоставлен Бесу. Извечная борьба добра и зла, света и тьмы. И тут же вспоминаются слова Воланда, адресованные Левию Матвею: «Что бы делало твое добро, если бы в мире не было зла?».

Константин Рубинский и Владимир Филонов выстраивают логическую цепочку удивительных событий… И мы, зрители, с огромным увлечением пытаемся разгадать, понять смысловую перспективу спектакля. Каков будет финал?

Что ждет впереди Ангела? Кто победит в этой неравной борьбе: доверчивый и наивный скиталец или коварный Бес-искуситель? Найдет ли блуждающий Ангел свой райский уголок на грешной земле? Дом, где тепло, уютно, спокойно, из которого не захочется убегать?

Получается своеобразная азартная игра. Константин Рубинский и Владимир Филонов направляют зрителей, подталкивают от одной мысли к другой. Словно за руку ведут нас по разным уголкам земного шара (Лас-Вегас, Рио, Париж…), выбирая витиеватые тропы. И финал предсказать сложно… (читай – невозможно).

После помпезных, пышных, роскошных Лас-Вегаса, Рио и ночного Парижа как-то неожиданно оказываешься в снежной Сибири.

К тому же, среди холодных ветров находишься в теплом доме. Кстати! Тема поиска родного дома связывает воедино все события этой музыкально-танцевальной истории, пронизывает их, точно нить разрозненные бусы («Дом – это то место, где на душе спокойно»).

Хорош в роли Ангела Алексей Бутин! Именно так, наверное, и выглядит райский житель – белокурый, светлоглазый, стройный, высокий красавец с крыльями за спиной.

Он искренен, простодушен, доверчив. Он стремится спуститься на Землю, прожить человеческую судьбу, быть нужным, честным, правдивым, помогать детям, нести добро и свет, никого не обманывая. Ангелы – создания наивные, недаром главный герой уверяет: «Я смогу! Я справлюсь!». И даже спорит с Бесом и подначивает его, чтобы тот ему помог попасть в мир людей. Он – центр внимания, вокруг него сосредоточено и крутится действие. Падший, заблудившийся в лабиринтах пороков Ангел, обломав крылья, катится по наклонной. На его примере мы видим, во что может превратиться душа, поддавшаяся слабостям, страстям и грехам. Какой пепельно-черной она может стать в итоге.

Бесподобна в спектакле Варвара Курагина! От нее исходит невероятный поток позитивной, светлой энергии. Хрупкая, изящная Дева-Ангел поражает своим сильным, мощным, необыкновенным голосом. Чуткая, нежная, добрая, милая, задумчивая и мечтательная. Она всеми силами стремится помочь своему непутевому другу:

«Я проведу тебя сквозь тьму и ложь.

Знай, веря и любя, ты все пройдешь…»

Красивые глаза, искренняя, обворожительная, лучезарная улыбка... От нее невозможно оторвать глаз! Подобно тому, как солнце освещает мир, ее появление на сцене наполняет зал светом и возвышенной энергией:

«Неровным стало вдруг дыханье

И сердца слышен стук всем ангелам в раю…

Вот, значит, какова любовь земных созданий!

Как она посмела

В райские пределы,

В душу проскользнуть мою?»


Невозможно обойти стороной чертовски обаятельного Беса в исполнении Никиты Манылова. Его философские изречения, колкости, шуточки, ирония, улыбка, сладкие речи приковывают внимание, цепляют. Когда он поднимает кружку с пенным напитком, когда с легкостью взбирается по сценическим конструкциям и взирает свысока на происходящее, когда льстит и искушает Ангела, когда откровенно говорит о страстях, показывая порочность человеческой жизни – все это в совокупности пугает и завораживает одновременно.

В разных обличиях и образах он – самый настоящий дьявол. И тут же вспоминаются «Бесы» Ф.М. Достоевского… И в памяти невольно всплывают строки: «Ставрогин, вы красавец! Знаете ли, что вы красавец! В вас всего дороже то, что вы иногда про это не знаете. О, я вас изучил! Я на вас часто сбоку, из угла гляжу! В вас даже есть простодушие и наивность, знаете ли вы это? Еще есть, есть! Вы, должно быть, страдаете, и страдаете искренно, от того простодушия. Я люблю красоту. Я нигилист, но люблю красоту!».

Загадочна, обольстительна и игрива Каролина в исполнении Анны Солдаткиной. Она женственна, грациозна, пластична. Недаром красавица вскружила голову и покорила сердце нашего непутевого Серафима:

«Есть у нее ключи от мужских сердец.

И никто не устоит!

Страсть лилией в ночи

Расцветает здесь…

И дурманит, и манит».

Смотришь на нее и чувствуешь всю бурю эмоций, этот кайф, который она получает от жизни… От жизни беззаботной, сочной, яркой, свободной. Именно ее, эту жизнь, и отобрал наш герой у Каролины. Представляете?! Ангел, способный убить. Ангел, который оказался в сто крат хуже и страшнее самого Беса.

В спектакле постепенно стирается четкая граница между добром и злом, между белым и черным, между хорошим и плохим… Показаны оттенки, тонкости, нюансы. Режиссер демонстрирует неоднозначность бытия. В этой противоречивости и заключается вся прелесть постановки! Белоснежный Ангел на глазах у изумленной публики становится черным. И тут же Бес вдруг способен на неожиданные поступки.

P.S. Несказанно радует тот факт, что спектакль с каждым разом набирает силы! С каждым разом зрителей сильнее кружит эта музыкально-танцевальная история. А после спектакля в памяти еще долго-долго звучит бархатный голос Бланш (Елены Васильцовой). Той, которая утешает...

«Ангел & Бес» в постановке Владимира Филонова – яркий, живой, динамичный, энергичный, красочный, музыкально насыщенный, танцевальный спектакль, способный вихрем увлечь за собой, одурманить, вскружить голову.

Ангел и бес

В ночь с 25 на 26 апреля состоялась самая известная премия мирового кинематографа «Оскар». Церемония в этом году проходила в Лос-Анджелесе на вокзале Union Station.

Больше всего статуэток получила картина Хлои Чжао «Земля кочевников», её признали Лучшим фильмом, саму Хлою Чжао назвали Лучшим режиссером, а роль Фрэнсис МакДорманд — Лучшей женской ролью.

По 2 статуэтки забрали фильмы «Отец» Флориана Зеллера (Лучшая мужская роль (Энтони Хопкинс) и Лучший адаптированный сценарий), «Иуда и чёрный мессия» Шака Кинга (Лучшая мужская роль второго плана (Дэниэла Калуя) и Лучшая песня), «Звук металла» Дариуса Мардера (Лучший монтаж и Лучший звук), «Ма Рейни: мать блюза» Джорджа С. Вольфа (Лучшие костюмы и Лучший грим и прически), мультипликационный фильм «Душа» (Лучший анимационный фильм и Лучший саундтрек) и «Манк» Дэвида Финчера, номинированный в 10 категориях, (Лучшая операторская работа и Лучшая работа художника постановщика). «Девушка, подающая надежды» Эмиральды Феннел и «Минари» Ли Айзек Чуна получили по одной статуэтке — Лучший сценарий и Лучшая женская роль второго плана (Юн Ё-джон) соответственно. «Довод» Кристофера Нолана признали фильмом с Лучшими визуальными эффектами.

«Земля кочевников», ставшая Лучшим фильмом в самой популярной американской кинопремии, несколько дней назад получила звание Лучшего фильма на премии «Независимый дух», став Лучшим независимым фильмом 2021 года. Хлоя Чжао стала второй женщиной за 93 года существования премии, которую признали Лучшим режиссером. Приз за Лучший фильм на иностранном языке получила картина «Ещё по одной» Томаса Винтерберга. В середине декабря Европейская киноакадемия признала этот фильм Лучшим европейским фильмом, Винтерберга — Лучшим режиссером и Лучшим сценаристом (сценарий Винтерберг создал в соавторстве с Тобиасом Линдхольмом), а Мадса Миккельсена — Лучшим европейским актером.



В ночь с 25 на 26 апреля состоялась самая известная премия мирового кинематографа «Оскар». Церемония в этом году проходила в Лос-Анджелесе на вокзале Union Station.

Оскар-2021. Итоги

«Spocky Noki» – волшебный спектакль театра «Манекен», который с первых же секунд очаровывает, пленяет, захватывает и долго-долго-долго не отпускает. Возникает ощущение счастья, детской радости, «бабочек внутри» и непередаваемой лёгкости! Спектакль про обворожительного Spocky буквально пропитан светом, теплом, нежностью и добротой. Невероятная актёрская игра, мимика и пластика, сногсшибательные режиссёрские находки, гениальное сценическое оформление и потрясающие костюмы, музыка, видеопроекция и свет – всё сошлось и «выстрелило» в самое сердце. Точное попадание. Невозможно не влюбиться в эту постановку! Команда волшебников в лице Алексея Тетюева, Антона Сластникова, Елены Сластниковой, Ксении Рыжковой, Дмитрия Ускова, Антона Савченко, Дмитрия Иванченко и Павла Ларионова сработала виртуозно, не оставив зрителям ни одного (даже маленького) шанса.

О том, как рождался спектакль, мы поговорили с режиссером Алексеем Тетюевым. Предлагаем вашему вниманию первую часть беседы.

Режиссер Алексей Тетюев

Часть 1



– Алексей, вы верите в чудеса?

– Конечно! С детства это повелось... Может, не так сильно верю в Деда Мороза, как в другие чудеса, происходящие в нашей жизни. Особенно в те, которые заложены в каждом человеке.

Когда люди становятся взрослее, они забывают о чудесах, которые им дарованы вселенной, небесами. Задача театра как раз и заключается в том, чтобы «будить» людей, чтобы они просыпались и вспоминали о том, что в их жизни всегда есть место для чуда. Именно тогда вырастают крылья за спиной! Именно тогда жить становится легче.

Но, к сожалению, я все больше и больше понимаю, что вокруг много «заскорузлых» людей, которых никак не затронуть эмоционально, до них не достучаться, их очень сложно чем-либо зацепить. Потому что у них свои проблемы, правила и установки, расчетливые планы, прагматические цели, просчитанное наперед будущее, в котором совершенно нет места чудесам. Это весьма печально! В чудеса нужно верить хотя бы потому, что эта вера добавляет оптимизма, вселяет надежду на лучшее.

– Спектакль «Spocky Noki» поставлен по вашей любимой детской книжке «Маленькое привидение» немецкого писателя Отфрида Пройслера. Расскажите, пожалуйста, о своих детских впечатлениях от соприкосновения с этой историей.

– Дело в том, что мне мама постоянно говорила и до сих пор говорит: «Ты настоящий фантазер!».

В детстве мне никогда не было скучно с самим собой. Я всегда фантазировал, сочинял, придумывал что-то. Мама могла спокойно уйти на работу на сутки, зная, что со мной ничего не случится. Я всегда любил читать книги! И любимых книг у меня много, помимо «Маленького привидения». Лет в двенадцать я увлекся Толкиным и открыл для себя удивительно красивый мир, целую Вселенную!

А насчет «Маленького привидения» … Для спектакля требовалась какая-то драматургия, выстроенная история. Именно тогда я подумал про сказку Отфрида Пройслера.

Хотя в том жанре, в котором мы на сцене сделали этот спектакль, мне кажется, история вторична. На первом месте – ощущение чудес, которые происходят вокруг, которые заложены в каждом из нас и просыпаются только тогда, когда человек смотрит на звезды.

Из книги же был взят образ милого Spocky. Он наивный, добрый, доверчивый, иногда – суровый, упрямый, бесстрашный. Но в большей степени он милый. Признаться, я сперва хотел сделать из него большого проказника… Но в процессе работы акценты сместились. И в итоге к зрителям вышел милейший, обворожительный сказочный Герой.

Я не знаю, чем меня эта книга так зацепила... Но всегда возникало необъяснимое желание возвращаться к ней. Наверное, сработала интуиция. Я почувствовал, что сказка найдет отклик у зрителей.

Недавно я прочитал хорошее высказывание Юрия Бутусова о том, что режиссер должен всегда быть вдвоем с интуицией, идти с ней рука об руку. На интуиции строится любой спектакль, любой диалог со зрителем.

Кстати! Спектакли Новой студии для меня выстраивались интуитивно, на чувственном уровне. К примеру, спектакль «ANIMALS» по пьесе Дона Нигро «Звериные (зверушкины) истории» я придумал за пять минут, пока шел от дома до магазина.

И войдя в магазин и встав в очередь, я неожиданно понял, как должна выглядеть эта постановка. Сработала интуиция. Появилась идея! Появилось желание размышлять, придумывать, фантазировать. И ты уже невольно начинаешь жить с этими мыслями. Здесь главное – не перегореть.

– Почему вы решили уйти от названия «Маленькое привидение» и пойти другим путем, придумав совершенно необычное «Spocky Noki»?

– О! Почему Spocky Noki? А почему Snow Show? Я не знаю… У «Лицедеев» был чудесный спектакль под названием «Чурдаки». Почему «Клиника»? Почему? Да потому!

Признаться, сначала было рабочее название «Spocky». Просто «Spocky». В честь главного героя. А потом вся ночная история стала оживать на сцене… И замечательный, уважаемый мною коллега Валерий Павлович Жеребцов подсказал: «Леша, а может, спектакль назвать Spocky Noki?». И я так: «Ой! А круто звучит!». И мне это зашло!

Станиславский как-то сказал, что театр начинается с вешалки… Для меня театр начинается с афиши и названия спектакля. Когда я натыкаюсь на что-то цепляющее, я загораюсь желанием это увидеть. Допустим, на афише читаю: «Онегин. Режиссер – Иван Миневцев. Молодежный театр», меня это цепляет. И я сразу думаю: «Интересно, что там Ваня придумал?». Таким же образом я отреагировал, когда увидел афишу «Онегина» театра имени Евгения Вахтангова, когда они приезжали в Челябинск на гастроли. Я прямо загорелся, захотел попасть на показ!

– 25 марта 2019 годы вы закончили писать инсценировку к спектаклю словами: «Завтра утром прилетит мой самый дорогой и близкий друг». Расскажите, сложно ли было самому писать инсценировку? Долго ли рождался текст? Или вдохновение позволило единым порывом придумать и написать целый спектакль в деталях?

– Понимаете, когда в тебе бушует буря ярких эмоций, когда масса идей, колоритных, сочных образов просятся наружу, сложно себя заставить написать за день логически выверенный, связный текст инсценировки.

Когда ты понимаешь, что идеи нужно донести до артистов суть, внятно её объяснить и при этом вдохновить, «заразить» каждого, перед тобой встает сложнейшая задача.

Мне вообще с трудом удается писать большие тексты. Я не люблю, я не понимаю, как это делать.

Есть специалисты, которые перелопачивают горы текста – как, допустим, Юрий Бутусов. Он неоднократно признавался:

«Я закрываюсь в комнате, беру клей и ножницы. Начинаю работать над текстом пьесы: ножницами разрезаю пьесу на эпизоды и переставляю в буквальном смысле их местами, беру канцелярский клей и наклеиваю листок один на другой. Это напоминает конструктор. Получаются толстые листы. Происходит в буквальном смысле физическая вещественная материальная работа над текстом».

У меня подход совершенно другой. Мне важнее не написать красивые фразы, предложения, а донести с помощь пантомимы образы и смыслы. Когда фантазия в тебе бушует, когда ты, действительно, спектакль вынашивал долгое время, около 20 лет, основная задача – создать на сцене чувственную историю, рассказанную практически без слов.

Да, 20 лет назад я впервые увидел Snow Show, познакомился с Вячеславом Ивановичем Полуниным и страстно захотел создать спектакль, в котором бы присутствовала эта магия!

И слова в конце инсценировки: «Завтра утром прилетит мой самый дорогой и близкий друг» для меня – самые важные, потому как действительно в тот день прилетал дорогой и близкий моему сердцу человек.

Этим я и закончил, этому и посвятил «Spocky Noki» (улыбается)

– В интервью 31 каналу (программа «Личное мнение») вы сказали: «Эта сказка о добре, которого все меньше и меньше встречается в нашей современной жизни. И какая-то частичка этого добра хранится, таится в старом сундуке на заброшенном чердаке. Именно там живет наш главный герой. Такой добрый, открытый, наивный. По мне, он олицетворяет человеческую неприкаянную душу: белую, чистую, светлую. Это разговор на уровне ощущений. Это фантазия, в которой слова лишние». В связи с этим вопрос: где и когда вы научились так виртуозно разговаривать со зрителями о добре без слов? Не боялись, что вас не поймут? Не боялись, что возникнет недопонимание?

– Если говорить о том, что недопонимание может возникнуть со стороны зрителей, у меня не было такого опасения. Потому что я долгое время таким же языком разговаривал с публикой, играя спектакль «Клиника». Где я ему научился? Все просто: у своих учителей, мне с ними повезло! С Владимиром Федоровичем Филоновым. В программке указано: «Посвящается папе Вове» (улыбается)

Владимир Федорович Филонов

– Ах, эта фраза про него?

– Да! Владимир Федорович – папа Вова. И спектакль посвящен ему, его взгляду на мир, его глазам, потому что я никогда не замечал за ним злости.

Я не люблю слова, я устаю от слов. Они меня утомляют. Мне ближе полунинская магия.

Конечно, я не против художественных произведений и литературы. Но театр гораздо обширнее всех слов, взятых вместе! Именно поэтому спектакль «Spocky Noki» говорит со зрителем микровзглядами, ироничными и глубокими паузами.

Возьмите немое кино Чарли Чаплина. Люди же без слов понимали его. И не требовалось каких-то комментариев, объяснений. Все было понятно по глазам, по действиям. И люди смеялись, умилялись, становились добрее.

Спектакль «Spocky Noki» театра «Манекен»

Кстати! На одном из показов «Spocky Noki» на поклонах дети, не сговариваясь, встали и побежали по очереди обнимать Spocky и актеров.

Детям никто не подсказывал, не советовал так делать. Это было совершенно неожиданно и безумно приятно! Такой искренний, естественный порыв, самое настоящее проявление любви и доверия!

Потому что «разбудили», потому что получилось вызвать неподдельные эмоции! Потому что артисты смогли достучаться до детских сердец.

– Вы в интервью признались, что «Spocky Noki» – это шалость. А вообще вы любите шалить?

– Да! Я люблю пошалить, похулиганить. Я это обож-а-а-а-а-а-а-ю! (смеется)





Беседовала Светлана Демцура

«Spocky Noki» – волшебный спектакль театра «Манекен», который с первых же секунд очаровывает, пленяет, захватывает и долго-долго-долго не отпускает. О том, как рождался спектакль, мы поговорили с режиссером Алексеем Тетюевым. Предлагаем вашему вниманию первую часть беседы. Часть 1

Статьи